Archivo Crítico

El Archivo Crítico reúne artículos de investigación, ponencias, capítulos de libro y demás publicaciones en las que se analizan directamente obras de cultura popular: películas, series, literatura de género, cómics, videojuegos y otras expresiones del entretenimiento masivo. A diferencia de la Biblioteca Teórica —centrada en los fundamentos conceptuales y metodológicos del campo— y de nuestro Glosario —que define los términos con los que trabajamos—, el Archivo dirige a textos que dan cuenta de cómo se pueden aplicar esos marcos al análisis de obras concretas.

El acervo está en construcción y crecimiento continuo.

Última actualización: 16-06-2026

Esta tesina examina el cuento “The Birds” (Daphne du Maurier, 1952) y el filme homónimo (Alfred Hitchcock, 1963) como textos representativos del género de terror. A partir del acercamiento semántico/sintáctico de Rick Altman, analiza cómo el suspenso opera como mecanismo central en la construcción del monstruo y en la provocación del arte-terror en la audiencia. El estudio propone que ambas obras transforman un elemento cotidiano —las aves— en agente de destrucción mediante la ruptura con lo familiar, y que sus finales abiertos extienden ese efecto más allá del texto, invitando a una reflexión sobre los monstruos que cada contexto cultural produce.

Este estudio expone cómo la reelaboración de la serie de televisión Battlestar Galactica (2003) remite a la tecnología para presentar una nueva visión del mito del Golem, con el hombre como creador de una raza de máquinas que lo sobrepasan (los cylon), al nivel de tener una ideología política y religiosa propia, así como la certeza de que fueron hechos para extinguir a la raza que los creó. En el estudio se analizan algunas referencias que determinan esta relación, la subversión del esquema creador-creado y cómo los cylon actúan bajo los preceptos religiosos de un fanatismo exacerbado. También expone los ideales de las creencias politeístas y monoteístas mostrados en la serie y el entramado mítico-religioso propuesto para llevar al espectador a una reflexión filosófica. 

Resumen: Este artículo examina la manera en que Black Mirror (Charlie Brooker, 2011–) transforma uno de los principios fundamentales de la ciencia ficción: el extrañamiento cognoscitivo. A partir del marco teórico de Darko Suvin —quien define el extrañamiento como el mecanismo por el que la ciencia ficción establece distancia entre el mundo ficcional y el empírico—, el texto argumenta que la serie reconfigura ese mecanismo al reducir la distancia entre ambos mundos casi hasta eliminarla. En lugar de construir escenarios lejanos y extraños, Black Mirror introduce un solo elemento novedoso en un entorno prácticamente idéntico al nuestro, produciendo un efecto perturbador que reside no en lo extraño sino en lo familiar. A través del análisis de episodios de las primeras dos temporadas —con especial atención a “Be Right Back”—, el artículo demuestra que esta estrategia formal no debilita los textos ciencia-ficcionales sino que los intensifica, pues impide que el espectador establezca la distancia cómoda que suele mediar su relación con el género. Se propone, finalmente, que Black Mirror representa una nueva corriente del género en la que la ciencia ficción prescinde de mundos alternativos para operar directamente desde el presente.

Resumen: Este artículo analiza la novela Nineteen Seventy Four (1999) del inglés David Peace, primera parte de su Red Riding Quartet, para revisar cómo el autor utiliza las dinámicas y concepciones del periodismo y la novela negra para problematizar los conceptos de verdad y ficción dentro del género, por un lado, y para reflexionar sobre la noción de pasado histórico en relación con el presente, también subordinado a los cruces entre verdad y ficción, por el otro. Al construir un detective que en este caso está encarnado por un ambicioso periodista del condado de Yorkshire de 1974 y explotar su sórdido estilo narrativo, la novela exige comparaciones entre el contexto contemporáneo y el pasado que ficcionaliza a través de la presencia de acontecimientos de la vida real. Aprovechando minuciosamente los preceptos y expectativas de la novela negra, la obra conduce a una lectura concienzuda que exacerba la creciente inestabilidad de las fronteras entre los discursos de la realidad y la ficción en el siglo XXI. Este análisis se centra primero en la caracterización del protagonista, ya que la construcción de un reportero como detective y narrador de una novela negra enfatiza la tematización del periodismo cuando se lo ve en relación con la búsqueda de la verdad con fines de lucro. Luego, se aborda la importancia del estilo periodístico del narrador y protagonista, ya que las características narrativas del texto perfilan modos de lectura muy peculiares que llevan a cuestionar discursos hegemónicos.

Resumen: Jugando a ser dios examina la relación entre el mito nórdico de la muerte de Bálder —tal como lo recoge Snorri Sturluson en la Edda Menor— y su adaptación en el videojuego God of War (2018, Santa Monica Studios), con el objetivo de analizar las representaciones de masculinidad, violencia y paternidad que ambas obras construyen y ponen en circulación. Partiendo de la teoría del trasvase intermedial —desarrollada por autores como José Luis Sánchez Noriega y Linda Hutcheon— y de los estudios de masculinidades, la tesis argumenta que el paso del relato mítico medieval al videojuego contemporáneo no es un simple cambio de plataforma narrativa sino una reescritura ideológica: God of War redistribuye el punto de vista del conflicto entre dioses y gigantes hacia la perspectiva de éstos últimos, convirtiendo así la violencia de los æsir en algo monstruoso —no heroico— y desnaturalizando los discursos que la mitología nórdica emplea para legitimar la dominación masculina. El análisis se organiza en tres capítulos: el primero establece un puente teórico entre la literaturidad del mito y la narratividad del videojuego; el segundo examina la representación de la violencia y la masculinidad hegemónica en ambas obras; el tercero analiza las nociones de maternidad y paternidad tomando como eje el arco de Kratos, un padre que debe aprender a construir una relación de cuidado y empatía con su hijo Atreus en lugar de reproducir los modelos de dominación que el mito y su propia historia le han transmitido. La investigación propone que God of War funciona también como una intervención crítica sobre los costos de la masculinidad heredada, y que la paternidad responsable puede operar como vector de cambio hacia formas de relación menos agresivas.

Resumen: A partir de la teoría de los afectos y específicamente de la idea del “giro hacia la felicidad” propuesta por Sara Ahmed, este artículo explora la forma en que el personaje principal de la trilogía de The Hunger Games (Suzanne Collins, 2008-2010), Katniss Everdeen, se constituye como un individuo responsable y ético. El texto pone atención a la trilogía literaria y sólo ocasionalmente acude a las adaptaciones cinematográficas, pues considera que los textos literarios ponen en evidencia la artificialidad y la construcción de la promesa de la felicidad mientras que las películas —especialmente la última, Mockingjay: Parte II— parecen responder al imperativo del matrimonio como dador de la felicidad última. El artículo propone que la hibridación de la ciencia ficción y el género rosa contribuye a la configuración del personaje de Katniss y a matizar la necesidad de perseguir una historia de amor exitosa y con un final feliz, y explora la capacidad subversiva de las historias de amor. Debido a ello, también plantea que el final de la trilogía se puede interpretar como eucatastrófico, pues implica pérdida y consuelo para la protagonista de la historia, a pesar de que a la vez parece cumplir con la promesa de la felicidad.